Eduardo Mac Entyre - su fallecimiento

Geométrico de sutileza única, murió a los 85 años el artista Eduardo Mac Entyre.

.Argentino, hijo de un escocés y una belga, a los 13 años ingresó en Vialidad, mientras estudiaba dibujo industrial.

Su primera muestra fue en la prestigiosa galería Rubbers, formando más tarde con Ary Brizzi, Miguel Angel Vidal y Carlos Silva el movimiento de arte generativo. Esa manera de crear ilusiones poéticas a través de la línea, como si ésta rasgara el espacio sin proponérselo, fueron en su caso un ejercicio de calidad única.

Su pintura inconfundible marcó una etapa clave del arte argentino, cuando la abstracción , tras la Revolución del Arte Concreto y Madí, cobró inusual protagonismo en museos, exposiciones de galerías y especialmente entre los mecenas más reconocidos. En el caso de Eduardo Mac Entyre, un hombre fino de hablar pausado, fumador empedernido, fueron Ignacio Pirovano y Rafael Squirru sus más apasionados promotores.

Pirovano expuso su obra en 1954, en la casa Comte, que había fundado con su hermano Ricardo y donde trabajó Jean Michel Frank. Mientras que Squirru, fundador y primer director del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, crítico del diario LA NACION, destacó siempre en sus textos la originalidad de la geometría óptica de Mac Entyre y esa frescura aérea, disciplinada.

Recibió el Premio Konex además de múltiples reconocimientos y el halago de los coleccionistas. Sus trabajos integran las colecciones del Vaticano, MoMA y Museo Guggenheim de Nueva York, además de las pinacotecas locales públicas y privadas.

Fuente: http://www.lanacion.com.ar/1687796-murio-eduardo-mac-entyre
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Diego Dayer - artista plástico

Diego Dayer nació en Rafaela, Argentina el 23 de Noviembre de 1978.

Después de algunos años de desempeño artístico en su ciudad natal se muda a Córdoba, Argentina en el año 2002 para comenzar la Escuela de Artes de la Universidad Nacional. Ciudad donde vive y trabaja actualmente.

Ha realizado exposiciones colectivas e individuales en ciudades de Argentina, Estados Unidos y España.
Entre sus logros se destacan el Primer Premio de pintura en el “IV Salón de Rafaela”, Argentina; Primer Premio “Concurso Arte de Tapa” del Grupo Telecom, Argentina; Primer Premio de dibujo en el “IV Salón de Rafaela”, Argentina; Primer Premio en el “XLIV Salón Anual de Becarios”, Santa Fe, Argentina; Primer Premio “Salón Nacional de Pintura”, Fundación Banco de la Nación Argentina en Buenos Aires.

En 2006 es invitado a participar de la muestra “LA MEMORIA – Testimonio colectivo, creación permanente” Organizada por la Secretaría de Cultura de la Nación Argentina, muestra exhibida en Argentina, Cuba y España.
Participa en la muestra “Premio Fundación Andreani ‘07-‘08 a las artes Visuales” exhibida en varias provincias de Argentina. En 2008 obtiene el segundo Premio en el concurso "Belleza intervenida", Buenos Aires y participa en el 3er. Concurso de Pintura Figurativa “Fundación de la Artes y los Artistas”, Barcelona, España.

“…Las alegorías de Diego Dayer remiten de inmediato a la tradición académica. Las poses, los escasos objetos simbólicos, pero fundamentalmente el virtuosismo técnico desplegado en imágenes de apariencia fotográfica, evocan la herencia neoclásica, hablan al presente desde un lenguaje anclado históricamente.
Sin embargo, algunos elementos rompen esa supuesta alianza con el pasado: la contemporaneidad de sus modelos -desde su fisionomía a su vestimenta- y el facetamiento secuenciado dan al conjunto un matiz actual, una inflexión que sólo se resuelve en el presente. Aunque en realidad, son múltiples las manifestaciones temporales que dialogan en su pintura: el legado académico, la actualidad de los modelos, la instantaneidad de la imagen fotográfica, la sucesión cinematográfica.
Sus personajes, invariablemente adolescentes, son los portadores de una narrativa muchas veces conflictiva; otras, simplemente intrigante. Su coexistencia en el espacio pictórico no es natural; en general, aparecen superpuestos, incluso enmarcados, rememorando la técnica del cuadro dentro del cuadro, la operación metalingüística por excelencia. Una luz especial golpea con fuerza los cuerpos modelados por un claroscuro preciso. Su continua frontalidad apela al espectador de manera insistente. Enfatiza el drama pero, al mismo tiempo, reclama la contemplación de su expresividad silenciosa

Pasión Por La Pintura y música.

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Hugo Guerrero Marthineitz - "El Peruano Parlanchín" - Fallecimiento

Dicen que por estas horas ha muerto Hugo Guerrero Marthineitz. Y que todos lo sienten mucho. Dicen.
Pero Hugo, a quien una vez le escribí una carta que jamás me respondió ni en forma escrita, ni en forma radial, ni en forma televisiva, no era un tipo común.
Tuvo la extraña particularidad, solamente compartida con una elite de personas muy especiales, de ser único. Ni sus imitadores lograron una aproximación aceptable porque hay cosas que no se pueden imitar. Las del interior de una persona especial.
Antes de continuar este escrito les pido que miren el video que sigue.
Una oyente criticó su programa mal. Porque podía no gustarle pero para eso tenía la posibilidad de cambiar de canal. Sin embargo se dijo que no lo entendía, y luego opinó sobre eso que no entendía.
¿Qué podía haber dicho Hugo para responderle? Nada. Podía no haberle respondido. Sin embargo aprovechó el espacio que dedicó a esa respuesta haciendo un minuto de programa sin contenido, sin mensaje, sin sentido comunicacional, tal y como ella decía que era ése.
Entonces, por contradicción, por el absurdo como se demuestran teoremas matemáticos, hizo una brillante comprobación de que el resto del programa, el normal, el de las entrevistas, las reflexiones y las pausas interminables que convocaban televidentes racionales, ese resto del programa, era excelente.
Echen un vistazo a esta respuesta.



Ahora sí, ahora podemos ver a Hugo en un espacio que dominaba como un director a su orquesta: sonidos, silencios, música, palabras... No tenemos un video con su programa, así que "colgamos" aquí uno de una charla en el de Mauro Viale.



Finalmente, reveamos un poco su historia. Por arribita, porque seguramente en estos días los periodistas, algunos de los cuales ni se acercan remotamente en calidad a él, los conductores de TV entre los que los hay en la misma condición de asemejanza, en fin, los "comunicadores sociales" y los "incomunicadores sociales" van a leer y transcribir en forma escrita u oral la historia de un grande al que muchos no conocieron y muchos lo conocieron pero no lo comprendieron.
En fin. Ha muerto un hombre de 86 años que pasó por las más buenas y por la más malas. Alguien que vivió una historia tan apasionante que solamente podría reflejarse adecuadamente en una entrevista realizada a Hugo Guerrero Marthinetiz por Hugo Guerrero Marthineitz.
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Hugo Guerrero Marthineitz (Lima, 11 de agosto de 1924 – Buenos Aires, 21 de agosto de 2010) fue un locutor peruano que realizó casi toda su exitosa y extensa carrera en la Argentina, donde fue reconocido como uno de los más innovadores en el medio radial.

Fue censurado en varias ocasiones por gobiernos militares y democráticos.
"El peruano parlanchín", comenzó su carrera en Perú continuando en Chile y Uruguay, pero fue en Argentina donde se convirtió en un locutor famoso y admirado por su particular voz grave y su uso de los silencios.
Creó éxitos memorables como El club de los discómanos, Splendid Show y El show del minuto pero su programa más exitoso se llamó A solas y consistía en entrevistas íntimas a celebridades y personalidades, donde preguntaba sobre todos los temas incluso sexuales, considerados muchas veces tabú por los gobiernos y hasta por la sociedad argentina.

Junto a Cacho Fontana, Héctor Larrea y Antonio Carrizo, integró el grupo de los mejores y más reconocidos locutores de radio de la Argentina de las últimas décadas. En esa época ganaba hasta 20.000 dólares estadounidenses por mes.
En 1987 fue galardonado con dos premios Konex en el rubro Comunicación-Periodismo: «premio Konex de platino radial» y un «diploma al mérito radial».
Como escritor publicó De hastío, los gatos y los días en 1976, Señoras y señores, toda esta gente, y Pasto de sueños en 1996.

En 1997 se separó de su última pareja. En 2000 se le diagnosticó un cáncer de vejiga, que venció exitosamente.
En 2007 recibió el Premio Éter a la trayectoria.
En su vejez vivió con mínimos ingresos, al borde la indigencia, con la ayuda proporcionada por sus tres hijos —María Gabriela (1963), Diego (1966) y Hugo (1982)—, en un departamento de Buenos Aires del que finalmente fue desalojado en 2009.

En julio de 2010 fue internado en un hospital neuropsiquiátrico en estado de desnutrición.
En la mañana del sábado 21 de agosto de 2010, víctima de un paro cardiorrespiratorio, Guerrero Marthineitz falleció a los 86 años en la Hospital de Clínicas de la ciudad de Buenos Aires (Argentina).

Nota final: eso de que falleció, no lo crean del todo. Hoy, por el sentimiento de culpa de muchos de sus colegas y demás del medio comunicacional de la Argentina, está tan vivo como en sus mejores épocas.

Daniel Aníbal Galatro

Víctor Hamudis - Historia de un músico argentino con mucha historia

Víctor Hamudis nació en Buenos Aires el 08 de noviembre de 1954.
Viene tocando desde los tempranos 60s con infinidad de Bandas & Solistas.
Comenzó tocando la batería en los 60 para músicos tales como Teddy Vega, cantante de HAIR (obra de teatro), Nacho Smilari de la Barra de Chocolate, VOX DEI, Willy Pedemonte, la Pesada del Rock & Roll.
Músico de Claudia Puyo, también formo parte de los músicos en la era de LA FALDA ROCK. En los 70 funda junto a Yalo López & Botafogo STUDEBAKER, recordada Banda de Blues Porteño. Siguiendo en los 70s, cambia integrantes en su formación e incorpora otro baterista en sus filas, siendo la única formación musical en Argentina que tocaba a dos baterías, fue la banda más cool de esa época. Lamentablemente, no pudieron llegar a grabar, pero tenía mucha influencia del sonido Allman Brothers. Los integrantes de esa nueva formación eran: Danny Vincent y Pipi SG en guitarras, Yalo López en bajo, Marcos Lamer en Hammond b3, Daniel DeMaría y Víctor Hamudis en baterías. Forma parte de la mítica CAROLINA junto a Botafogo, Suri Frexas & Gruingui Herrera (Capusotto cuenta en sus memorias, que CAROLINA fue la mejor banda que vio).

En 1978 emigra hacia Europa, recalando en España. Allí conoció al multifacético & polémico RAMONCIN, cantante de Rock Español, con el que Grabo una placa discográfica, la cual tuvo tremendo éxito en el país Íbero.

A principios de los 80 vuelve a Buenos Aires y forma junto a Botafogo; nuevamente; y a Yalo López, DURAZNO de GALA, Banda de Blues porteña, única en su estilo y recordada hasta estos días como la mejor Banda de Blues Argentina de los 80/90.
Forma parte de Durazno de Gala por 7 años grabando tres placas discográficas. En los comienzos de Durazno, Víctor Hamudis cambia su instrumento principal, la batería, por el Saxo Tenor, ya que todo el mundo lo recuerda como Saxofonista de Durazno de Gala.

Luego llega a fines de los 80 hasta mediados de los 90 BLUES EXPRESS junto a Gabriel "Conejo" Jolivet. A fines de los 90 y hasta la actualidad, forma junto con Yalo López el proyecto "Yalo López & Río Místico".
Después de grabar su primer placa con Yalo López & Río Místico, de corte Southern songs & Country, son llamados para tocar junto a Vargas Blues Band en España. Edita dos (2) trabajos discográficos con Yalo López & Río Místico.

Actualmente está terminando de grabar su primer disco solista llamado "one foot in the blues one foot in the country" con la base de Patricio "Patito" Raffo en batería y Daniel "Pato" Altieri en Bajo & Teclados. Contando la participación especial de Pol Castillo como invitado en uno de sus temas.

Fuente: http://www.myspace.com/victorhamudis

Jimmy Rip - Pequeña biografía

Jimmy Rip, nativo de New York, tomó su primera guitarra a los 6 años y a los 12 ya tocaba en sus primeros conciertos. Originalmente fue inspirado por los Rolling Stones, pero enseguida se interesó en discos de los pesos pesados del blues, como Muddy Waters y John Lee Hooker, adquiriendo las habilidades necesarias para convertirse en un gran sesionista.


Rip rápidamente se convirtió en pieza fundamental tanto de estudio, como segunda guitarra de tours mundiales. Sus colaboraciones más importantes incluyen Hall & Oates, Deborah Harry, Patty Smyth, Kid Creole, Tom Verlaine entre otros. Ocasionalmente tuvo la posibilidad de grabar con uno de los artistas que lo habían inspirado en sus inicios.


A fines de los '80, le pidieron que participara en la grabación del disco solista de Mick Jagger "Primitive Cool" y luego se unió a la gira mundial. Luego continuó co-escribiendo canciones con Mick y actuó como guitarrista,arreglador y director musical de "Wandering Spirit" album solista 1993 de Jagger.


En 1997, Rip estrena su álbum solista "Way Past Blue". Pero su mayor desafío no había llegado aún, producir y ser guitarrista del álbum "Last Man Standing" de Jerry Lee Lewis.


"Last Man Standing" es un monstruo de 22 temas que llevó 4 años realizarse. El álbum apunta a reintroducir al mundo a Jerry Lee, un tesoro Americano, pionero del verdadero Rock n' Roll. "Last Man Standing" cuenta con la participación de B. B. King, Eric Clapton, Buddy Guy, Jimmy Page, Keith Richards, Ringo Starr, Mick Jagger, Ronnie Wood, Neil Young, Rod Stewart, Willie Nelson, Merle Haggard, Bruce Springsteen, John Fogerty, Little Richard, Toby Keith, Robbie Robertson, Don Henley, Delaney Bramlett, Nils Logfren, Kris Kristofferson, George Jones y Kid Rock.


En 2004, Jimmy compuso la banda sonora para la película "The Big Bounce" como también para muchos shows famosos de The History Channel. También fue director musical para el especial televisivo de TNT "Willie Nelson & Friends"_Angels & Outlaws" un show de 2 horas en el que participaron Bob Dylan, Joe Walsh, Toby Keith, Merle Haggard, Keith Richards, Kid Rock Al Green, Shelby Lynne, Carole King entre otros. También encontró tiempo para grabar y producir albums para Iván Neville y B'nard Fowler.

En 2007 Rip completa su trabajo como director musical, guitarrista y productor en el DVD de Jerry Lee Lewis "Last Man Satnding Live" (por el cual recibí el DVD de Oro). Celebró el estreno de "Tom Verlaine & Jimmy Rip Music for Experimental Film" y completó un CD para el virtuso del sitar Nishat Khan. Actualmente está trabajando en su nuevo CD, produciendo al pionero del punk Holly Beth Vincent, co-produciendo y tocando la guitarra en un nuevo disco con legendaria banda neoyokina Television.


Fuente: Puerta E
http://puertae.blogspot.com/2010/05/jimmy-rip-toca-el-viernes-28-en-el.html

PINTERATURA (escritura y pintura eróticas) - Alejandro Margulis

Alejandro Margulis (1961) nació en Boston, Estados Unidos, pero reside permanentemente en Buenos Aires, Argentina.
Publicó seis libros en soporte papel: tres de ficción -el libro de relatos "Papeles de la mudanza" (Catálogos, 1988) y las novelas "Quién, que no era yo, te había marcado el cuello de esa forma" (Beatriz Viterbo, 1993) y “Novela de difuntos y colegialas” (2009, Ayesha Libros, edición on demand)- y tres periodísticos -"Los libros de los argentinos" (El Ateneo 1998), "Junior, Vida y Muerte de Carlos Menem (h.)" (Planeta, 1999) y "Reconstrucciones de desaparecidos" (IMFC, 2002).
En 2004 editó la plaqueta de postales desplegables de pinteratura “El mito de Babel” (Ayesha Edciones). Fue docente de la Universidad de Buenos Aires (UBA) durante 17 años y actualmente dicta talleres de redacción y comprensión de textos en la Universidad de Flores (UFLO), además cursos particulares, de literatura y periodismo de investigación.
Dirige el portal-agencia literaria http://www.ayeshalibros.com.ar/ .
Dirige la editorial Ayesha Literatura Ediciones.
E MAIL: alejandromargulis@ayeshalibros.com.ar
Como artista plástico, muestra su obra en Buenos Aires y España en forma alternada desde 2004. Actualmente su obra se encuentra en ZAGUAN SUR (Moreno 2320). Textos inéditos y de pintura se encuentran en los sitios
http://www.elaleph.com/
http://www.leedor.com/ y
http://www.ayeshalibros.com.ar/
entre otros.

7 de abril de 1890 - Nace Victoria Ocampo

Victoria Ocampo con Jorge Luis Borges y su madre

Escritora argentina, Ramona Victoria Epifanía Rufina Ocampo nació en Buenos Aires.

De familia aristócrata, Victoria ocupó un lugar importante en el ámbito de la literatura.

Fue fundadora de la revista Sur en la que dio lugar a numerosos escritores, en 1967 fue nombrada doctora honoris causa de la Universidad de Harvard, en 1976 fue designada miembro de la Academia Argentina de Letras, la primera mujer en ocupar ese lugar.

Además fue presidenta del Directorio del Teatro Colón en 1933, fundadora de la Unión Argentina de Mujeres y su presidenta de 1936 a 1938, Vicepresidenta Honoraria Internacional del Pen Club y Miembro del Directorio del Fondo Nacional de las Artes de 1958 a 1973.

Algunas de sus obras son "De Francesca a Beatrice" (1924), "La laguna de los nenúfares" (1926), "Domingos en Hyde Park" (1936), "Emily Brontë (Terra incognita)" (1938), "San Isidro" (1941), "338171 T.E." (Lawrence de Arabia) (1942), "El viajero y una de sus sombras: Keyserling en mis memorias" (1951), "Lawrence de Arabia y otros ensayos" (1951), "Virginia Woolf en su diario" (1954), "Habla el algarrobo" (1959), "Tagore en las barrancas de San Isidro" (1961), "Juan Sebastián Bach, el hombre" (1964), "Diálogo con Borges" (1969) y "Diálogo con Mallea" (1969).

Fuente: http://www.escribirte.com.ar/

Más sobre Victoria Ocampo en:

Yo, Bioy Casares - http://yobioycasares.blogspot.com/

Ajedrez y Borges - http://ajedrezyborges.blogspot.com/

Más sobre literatura en:

Cien Almas - http://cienalmas.blogspot.com/

Eduardo Pavlowsky - Un tipo fuera de serie

EDUARDO (TATO) PAVLOVSKY - Nacido el 10-12-1933

UNO DE LOS MÁS LÚCIDOS Y CREATIVOS INTELECTUALES LATINOAMERICANOS.

-MÉDICO - PSIQUIATRA - PSICOANALISTA

-INTRODUCE EL PSICODRAMA COMO TÉCNICA PSICOTERAPÉUTICA EN LATINOAMÉRICA
-ESCRIBE ENTRE OTROS: PROCESO CREADOR, TERAPIA Y EXISTENCIA, ESPACIOS Y CREATIVIDAD - DIVERSOS ESCRITOS SOBRE TERAPIA GRUPAL
-FUNDADOR DEL GRUPO PLATAFORMA QUE ROMPE POR SU DOGMATISMO CON LA APA (ASOCIACIÓN PSICOANALÍTICA ARGENTINA)
-FUNDADOR DE LA AAP (ASOCIACIÓN ARGENTINA DE PSICODRAMA)
-CAMPEÓN SUDAMERICANO DE NATACIÓN

-TRANSMITIÓ LA PELEA DE BONAVENA Y CASSIUS CLAY
-ESCRITOR Y ACTOR DE TEATRO -SU TEATRO SE ESTUDIA EN UNIVERSIDADES AMERICANAS Y EUROPEAS -ENTRE OTRAS OBRAS: TELARAÑAS - PABLO -
ROJOS GLOBOS ROJOS - PASO DE DOS - POROTO - LA MUERTE DE MARGUERITE DURAS - SÓLO BRUMAS - VARIACIONES MEYERHOLD - LARGO ENCUENTRO
-PARTICIPA EN MÁS DE 40 FESTIVALES INTERNACIONALES, GANANDO IMPORTANTES PREMIOS - ENTRE OTROS, EN INGLATERRA A LA OBRA QUE TRASCENDIÓ EL LENGUAJE POR POTESTAD, REESTRENADA ESTE MES EN EL C.C.C. -EL SR. GALINDEZ LE SIGNIFICÓ PERSECUCIÓN Y EXILIO
ACTOR DE CINE - HEROÍNA - MIS MARY- LOS CHICOS DE LA GUERRA- EL EXILIO DE GARDEL (TANGOS)- CUARTELES DE INVIERNO - LA NUBE
-ESCRIBE EN DISTINTOS MEDIOS -MUCHAS DE ESAS NOTAS FUERON RECOPILADAS POR JORGE DUBATTI EN MICROPOLITICA DE LA RESISTENCIA (1999)
-CANDIDATO A DIPUTADO POR EL PST: PARTIDO SOCIALISTA DE LOS TRABAJADORES Y EL MAS: MOVIMIENTO AL SOCIALISMO- CONTRIBUYO A LA FORMACION DE AyL: AUTODETERMINACION Y LIBERTAD
N de la R: ¿Qué habrá hecho en sus ratos libres? Realmente, Eduardo no está pasando por esta vida sin pena ni gloria, aunque seguramente él podrá sentirlo así ya que no ha tenido el reconocimiento merecido, al menos, no lo ha tenido hasta ahora.

Grete Stern - Fotógrafa de sueños

Grete Stern nace en 1904 en Wuppertal, Elberfeld, Alemania.

Realiza sus estudios primarios en Wuppertal y en Londres, al tiempo que aprende piano y guitarra.

En 1923 comienza a estudiar artes gráficas en Stuttgart.

En 1927 por sugerencia del fotógrafo Umbo estudia fotografía, siendo alumna de Walter Peterhans.

En 1929 junto con su amiga Ellen Auerbach, crea un estudio de diseño gráfico y fotografía: ringl + pit.

En la Bauhaus de Dessau, cursa dos semestres en el taller de fotografía.

A finales de 1933, con Hitler en el poder, emigra a Inglaterra.

Abre en Londres, en 1934, un estudio fotográfico y de publicidad.

Se casa con el fotógrafo argentino Horacio Coppola en 1935.

En 1937, abre un estudio fotográfico y de publicidad con su esposo Horacio Coppola en Buenos Aires.

Comienza a realizar retratos de artistas e intelectuales. (En la foto a la izquierda: Jorge Luis Borges).

En 1943 realiza su primera exposición individual de fotografía en Argentina. Se divorcia de Horacio Coppola.

Entre 1948 y 1952 realiza fotomontajes semanales para la ilustración de sueños en la sección "El Psicoanálisis le ayudará", de la revista Idilio.

Entre 1956 y 1979, convocada por Jorge Romero Brest, director del Museo Nacional de Bellas Artes, organiza y dirige el taller de fotografía del mismo.

En 1958 se convierte en ciudadana argentina.

Enseña fotografía en la Escuela de Humanidades de la Universidad Nacional del Nordeste, Resistencia, Chaco, entre 1959 y 1960.

En 1975 se lleva a cabo la primera exposición fotográfica en Alemania, después de la guerra, en la Bauhaus-Archiv de Berlín.

En 1978 participa en la exposición de la Galería del Levante, de Munich, la fotografía experimental en Alemania de 1918 a 1940.

En 1981 se celebra una gran exposición retrospectiva de su obra fotográfica y de diseño en la Fundación San Telmo de Buenos Aires.

En 1985 abandona la práctica de la fotografía debido a la disminución de su agudeza visual y obsequia parte de su equipo fotográfico a exalumnos y colaboradores.

Muere en Buenos Aires, el 24 de diciembre de 1999, a los 95 años de edad.

 
Fuente para esta biografía:
http://www.elangelcaido.org/fotografos/gstern/gsternbio.html

Ernesto Sabato en un documental hecho por su hijo

Ernesto Sabato, mi padre es un retrato íntimo del escritor, que aborda su vida no desde una mirada biográfica y distante, sino desde la cercanía que un hijo tiene con su padre. En el documental, Ernesto Sabato habla sobre algunos de sus grandes temas, como, por ejemplo, la existencia y la muerte. Se ven imágenes de sus paseos por su casa natal en Rojas, donde recuerda a sus hermanos. Entre otros aspectos, el escritor comenta que en su familia confluían todas las tendencias políticas y menciona, totalmente alejado del bronce, cómo eran aquellas reuniones familiares. También se lo ve en el salón de actos de la escuela primaria de Rojas a la que asistió y en el Instituto de Física donde realizó su doctorado. Luego recorre lugares que compartió con su gran compañera de la vida, Matilde, y relata cómo comenzó el inquebrantable vínculo afectivo: en ese momento aparecen imágenes de décadas atrás, de un viaje a Europa que compartieron.


Más cercano a la actualidad, se lo ve contento en una reunión con los nietos y bisnietos, donde se exponen los valores que les transmitió: el sentido de la amistad, la libertad, la necesidad de la justicia y la compasión. Quienes conocen la obra del escritor se encontrarán con aspectos desconocidos de Sabato, sobre todo por la riqueza de imágenes inéditas que contiene el documental. “Me resultaba imprescindible no tomar distancia”, dice Sabato (h) acerca del abordaje. “No simulé distancia ni traté de parecer objetivo porque esto es el retrato que un hijo hace de su padre. Y el valor, si lo tiene, es la cercanía. Y eso implica la deformación del afecto, la exposición a los sentimientos, incluso la imprecisión sobre fechas. Pongo los recuerdos tal como los tengo, no me preocupa tanto la historia, sino cómo yo la sentí”, expresa el realizador.
 
De una nota realizada por Oscar Ranzani

Fuente: Página 12
Más información: http://www.pagina12.com.ar/
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¿Conoce a Débora Gotlib? - Su currículum profesional

Débora Gotlib. Cantante. Se presenta generalmente como intérprete de jazz, jazz contemporáneo y es compositora. Su formación como cantante incluye aspectos técnicos, corporales; de lenguajes y estilos musicales. Andrés Aciar, Leonardo Palma Aravena, Sandra Nahabian han sido sus maestros en canto.
Educación Funcional de la voz- Rabine Method (Alemania) – Fundación Teatro Colón. Con Eugene Rabine/creador del Rabine Method-Ed. Funcional del cantante. Armin Fuchs y Roland Seiler, miembros del grupo VOICE de Würzburg, Alemania.
Ha realizado diversos estudios musicales en el Conservatorio Manuel de Falla, en el Inst. de Formación Autoral Sebastián Piana (SADAIC). Letrística de canciones, lenguaje musical, pianística. Junto a Diana Bellesi, Jorge Pítari, Samy Mielgo, Marinero Montes, Laura Ramirez. Composición, trabajo sobre obras propias con Marcelo P. Katz.
Asimismo, se forma en ámbitos de investigación de danza-teatro y de entrenamiento corporal para las artes de expresión con maestros argentinos y del exterior. Técnicas Feldenkrais, CI (contact-improvisacón), BMC (Body Mind Centering-Sincronía Cuerpomente), Técnica Alineamiento y Estiramiento, Esferodinamia, Técnica Danza Clásica, Butoh, Fedora Aberastury- sistema conciente para la técnica del movimiento-. Con Valeria Kovadloff, Vanina Goldstein, Gustavo Lecce, Verónica Pugliese-Guadalupe Cejas (Escuela Gurkel), Carola Yulita, Gabriela Morales (Rosario), Cristina Turdo, Martin Keogh y Cathie Caraker (USA), Andrea Fernandez, Natalia López y Carolina de Luca (IUNA), Mabel Dai Chee Chang, Ricardo Neves (Brasil), Tania Galindez (Mexico), Cristina Suarez, Inés Vocos.
En los últimos años ha realizado proyectos que la incluyen como intérprete, creadora y compositora en diferentes ámbitos artístico – musicales.
Convocada por el compositor y pianista Marcelo Katz (dúo Marcelo Katz-Marcelo Moguilevsky/ zo´loka? trío(jazz)/M Katz quinteto de música contemporánea) para la creación de una obra de música contemporánea - creada con el apoyo de la Fundación Antorchas (ganador de Subsidio a la Creación Artística año 2004).
Trabajo de composición de otra base musical - vocal (con Marcelo Katz), obra realizada a pedido del Goethe-Institut e interpretada para musicalizar la película Fausto. Se estrenó en el Festival de cine Alemán, organizado por el Goethe-Institut, conjuntamente con Embajada de Alemania en Argentina en septiembre 2007 / Y realizada asimismo en la conmemoración del 40° aniversario de la Sala Leopoldo Lugones del Teatro Gral. San Martín, organizado por el Complejo Teatral de Buenos Aires y la Fundación Cinemateca Argentina en colaboración con el Goethe Institut. (octubre 2007)
Ha estrenado como cantante obras contemporáneas del compositor M. Katz, incluyendo la obra ganadora de Subsidio a la Creación Artística en música contemporánea de la Fundación Antorchas. La Scala de San Telmo, Buenos Aires (estrenada en octubre 2006).
Como cantante de jazz (“Débora Gotlib Cuarteto”), recorrió los principales escenarios de jazz del país y del circuito jazzístico de Buenos Aires. Algunos de los músicos que formaron parte del cuarteto: Ariel Goldemberg (Director cátedra de jazz de la Esc de Mús. Popular de Avellaneda), Jorge Puig (cátedra jazz en Esc. Sadem de Mús. Popular). Sebastián Lacabe (España). 2000-2004
Presentaciones más destacadas del período cuarteto de jazz: LRA 1 -Auditorio Radio Nacional – Concierto de Navidad año 2003-Ciclo de Conciertos en vivo, emitido en cadena Nacional y al exterior (Bs. As), 11va. Edición Festival Jazz en el Bosque- Vlla. Gral. Belgrano Córdoba, Festival de Jazz en el subte Metrovías 2003 y 2004 (Bs. As.), cierre del Festival de Jazz "Jazz en el York"- Municipalidad de Vte. Lopez (Pcia. Bs. As), CCGSM - Centro Cultural Gral San Martín, obteniendo Primer Premio del Ciclo “Música Maestro” 2004, Teatro Municipal del Fuerte-Tandil, auspiciado por la Municipalidad. (Pcia. de Bs. As.), Festival de Jazz de Mendoza 2005.
El Almacén - Ciclo de conciertos Bares Notables de la ciudad de Bs. As. -organizado por la CBN ("comisión de protección y promoción de cafés, bares, billares y confiterías notables de la ciudad de Buenos Aires"), ciclo “Mujeres del Jazz”, y bares convocantes del circuito , bares del Ciclo “la Ruta del Jazz”-organizado por la Subsecretaria de Turismo de la Cdad. de Bs. As. -Bares del género como Jazz & Blues, La Revuelta, Fandango, Restó Ummo Ciclo “Domingos de Jazz”. (Bs. As)
Ha participado como invitada en los Ciclos de jazz en el Modern Sound de la ciudad de Río de Janeiro. Invitada por la cantante Andrea Dutra, en Brasil (febrero 2006). En su primer viaje al Brasil (julio a diciembre 1996), abarcó el Estado de Bahia, junto al guitarrista Julio Massini Flores, experiencia que la marcó como intérprete de la música brasilera.
En 2008 ha presentado un repertorio de música del Brasil con la intención de acercar material no tan difundido en el país. -Ctro. Cult de Raíz- Ciclo Cine Social Latinoamericano y Música Viva. Pcia. de Mendoza (junio 2008)
Es frecuentemente invitada a participar con obras propias de jazz contemporáneo en espacios musicales e interdisciplinarios- Vernisages, performances, y como artista en diferentes ámbitos del lenguaje expresivo. En Centro Cultural Borges de Buenos Aires, artistas como la pintora Andrea Gutiérrez (Marzo 2006). Performances de improvisación Jams de CI, invitada por Vanina Goldstein (2005-2007).
Profesora investigadora de la voz en el cuerpo, el arte que genere voces propias y abarcativas, continúa elaborando y aplicando conocimientos para proporcionar nuevos conceptos que incluyan búsquedas actuales; en 2008 ha obtenido apoyo del Fondo Provincial de la Cultura de la Pcia. de Mendoza para continuar su trabajo sobre “Anatomia funcional; desarrollo y procesos psicofísicos del canto”
En 2009 se encuentra ensayando una obra de danza-teatro en Buenos Aires. Convocada para participar tanto como interprete musical y artística en la obra dramática.
Se abordan lenguajes de interdisciplinas, multimedia y participa con obras musicales de su autoría.
Asimismo esta elaborando material para futura presentación / obras contemporáneas de elementos jazzísticos.
Realiza labor docente en cursos, seminarios y talleres; en ámbitos artísticos de desarrollo del país y en el extranjero.

PARA ESCUCHAR A DEBORA GOTLIB
http://www.myspace.com/505521905

Virgilio Expósito - Pequeña biografía

Virgilio Expósito nació el 3 de mayo de 1924 en Campana, pero a los tres días se mudó a Zárate, nació 5 años después que su hermano Homero y cinco años antes que Luis María, sus padres eran Manuel Juan Expósito y Rafaela del Giúdice Cafaro. En los cinco años que separan el nacimiento de Homero del de Virgilio, el hermano mayor se ganó gracias a sus imitaciones y actuaciones el apodo de “Mimo”; también ganó un premio por disfrazarse de lámpara y su apodo de infancia se convirtió en el nombre de la confitería que la familia Expósito abrió y dirigió en Zárate.


Virgilio comenzó a estudiar el piano a la edad de cuatro años, se formó en música clásica y estudió con el violinista alemán Juan Elhert, que formó a una generación de músicos que integraron su orquesta y luego se lanzaron al público de Buenos Aires: Armando Pontier y los campanenses Héctor “Chupita” Stamponi y Cristóbal Herreros. Cursó sus estudios primarios en Zárate y el secundario en el Liceo Militar de Escobar, donde enseñaba música Alberto Ginastera.

Viajando en tren conoció a su primera esposa: Ofelia Inés Bertolotti. Sentada junto al piano vertical alemán en el que Virgilio aprendió a tocar, Mónica, la mayor de sus cuatro hijos, cuenta: “El vivía acá en Zárate y mi mamá en Escobar, y él tenía que tomar el tren para ir a Escobar para casarse por civil. Se fue a tomar el tren y, como siempre, llegaba corriendo, siempre a último momento, toda la vida fue igual. Corrió en la estación al tren que ya había salido, se cayó entre el andén y la vía y todos los vagones, que no sé cuántos eran, le pasaron por encima y le golpearon la cabeza, entonces en cambio de casarse estuvo internado, todo roto.

Desde ese momento le quedó una disritmia cerebral que la llevó toda su vida: podía estar en el cine viendo la película y de pronto parecía dormirse, porque se le dormía una parte del cerebro, pero otra le quedaba despierta. ¿Entonces qué pasaba? La gente que iba con él podía pensar que se dormía y podía comentar lo que quería. Pero cuando veías que se despertaba, te contestaba lo que vos estabas diciendo. La gente quedaba atónita. La disritmia te afloja, es un mal bombeo de la sangre del corazón y quedaba así. Tengo fotos de él dormido dirigiendo una orquesta. Arrastró esta disritmia desde los veinte años durante toda su vida.

Pero no murió de eso, él murió por un aneurisma de aorta abdominal que tenía un montón, cuando lo abrieron creían que tenía uno, pero tenía un montón. El sabía que el día que lo operaran de eso se iba a morir porque había tenido infartos pasivos. Me pidió permiso para operarse luego de descomponerse y me dijo: ‘Me quiero operar porque quiero vivir’”.

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Despacho del Frente Transversal Nacional y Popular

Giacomo Puccini: el "verismo" en la ópera

Fragmentos de un nota titulada:
Giacomo Puccini y el verismo

por José Luis Pomi
en Informe Uruguay


Algunos musicólogos, han señalado que LA TRAVIATA (Verdi -1853), es el punto de partida del verismo, porque el tema y sus situaciones dramáticas anuncian en verdad, el advenimiento de esta escuela operística. Creemos que no se equivocaron. Y agregamos nosotros, que años mas tarde, en 1875, CARMEN es junto a LA TRAVIATA, las óperas que dan el primer paso hacia la ópera naturalista, en el estilo que se llamó “verismo”.

La obra que consideramos la piedra fundamental de este nuevo estilo, es CAVALLERIA RUSTICANA (1890) de Pietro Mascagni, inseparable hasta nuestros días con I PAGLIACCI (1892) de Ruggero Leoncavallo.

Ambos compositores hicieron muchas tentativas, pero ninguno logró volver a producir otra ópera capaz de mantenerse en escena, hasta nuestros días.

Músicos de indudable talento teatral, fueron junto a éstos, los cultores del verismo: Giordano, Catalani, Zandonai, Cilea, y sin lugar a dudas, Giacomo Puccini, fue el verista mas capacitado y el de mayor fuste, quien supera el verismo puro llegando a una especie de romanticismo musical naturalista

Puccini consagró su capacidad al ejercicio de la ópera y sobresale entre sus contemporáneos, merced a sus facultades de incentiva superior como músico.

Lamentablemente esa entrega incondicional al género lírico, hace que muchos escritores excluyan el nombre de Puccini, como si éste fuera un producto extraño a la época y a los acontecimientos, y se resisten a considerarlo como parte integrante del post-romanticismo musical.

Jamás se le podrá reprochar el haber escrito casi exclusivamente óperas, porque ese reproche no se le hace Wagner ni a Verdi.

Tampoco Puccini no es el autor de una célebre ópera. Es un músico auténtico, exponente de una época poco favorable para el ejercicio de una estética paralela al pujante impresionismo.

El haber escrito TURANDOT, su última ópera, es mérito suficiente para justificar su trascendencia.

Puccini ha sido un hombre de teatro, inflexible con sus libretistas. Su fino y certero sentido teatral lo han guiado a la creación de sus obras maestras.

Después de sus dos primeras óperas: LE VILLI y EDGAR, seleccionó su temática argumental en un ciclo de criaturas vivientes que van desde el fraude amatorio de MANON LESCAUT, hasta el fracaso amatorio de Liu.

Es digno constatar como, aun no siendo Puccini el libretista de sus óperas, es el poeta promotor y definidor de sus criaturas, y de la base argumental de sus óperas, el amor. A través de él se vale de algo tan antiguo como el hombre: la pareja de amantes.

La pareja es el germen inspirador de todo el proceso teatral pucciniano. Sus más grandes aciertos se encienden en la conciencia del amor de una pareja, que aún amándose no puede llegar a ser feliz.

Con talento y fuerza imaginativa, fue creando un mundo, característicamente suyo, con un clima emocional y dramático, tan personal como su estilo musical.

Por propia definición tenía: “más corazón que cerebro”.

Por su genio creador, Giacomo Puccini representa un hecho muy importante, en la Historia de la Opera. Sin lugar a dudas, sigue siendo un maestro insuperable, por su sentimiento, por su ternura, por su sensibilidad, por su extraordinaria integridad, por la magnitud creativa, por su estilo armónico, y por su sello inconfundible.

Para quienes no hayan comprendido a este gran compositor, sean estas líneas el comienzo para encontrar a un auténtico músico teatral.

Y para quienes tengan en sus manos, la responsabilidad de un espectáculo de ópera pucciniana, el respeto para aquel hombre de teatro que creó sus personajes y supo infundirles su inspiración creadora, sin desvirtuar lo que él hizo y quiso, sin traicionar el espíritu de la ópera.

Giacomo Puccini merece ese tributo de respeto.
 

Figuras de la lírica uruguaya: Jorge Botto

Evocaciones líricas

Tomado de una serie de notas publicadas

por José Luis Pomi

en Informe Uruguay

Quienes tenemos más de 40 años dentro del Teatro Lírico de nuestro país mantenemos vivo, el recuerdo de muchos artistas desaparecidos, que contribuyeron con su presencia y capacidad, a imprimir a las temporadas en las que actuaron, un permanente y renovado interés artístico.

JORGE BOTTO - barítono

 

Fue uno de los cantantes uruguayos más calificados de su generación.

Sus primeros pasos los realizó en el Coro Universitario que dirigía la Prof. Nilda Muller. Estudio canto con la famosa soprano Ninon Vallin, y el no menos famoso Victor Damiani. Fue alumno egresado de la Escuela de Opera del SODRE.

En el año 1955 debutó con LA NOVIA VENDIDA, en un espectáculo organizado por el Centro Cultural de Música.

Durante mas de 20 años, intervino en las temporadas líricas de Montevideo, donde abordó un buen numero de grandes roles, a veces recorriendo un repertorio de fuerza que no era el medio más adecuado para su voz.

Su voz era de gran belleza, y poseía una línea de canto de notable pureza, que desarrollaba con gran autoridad musical y estilística. Esto no fue lo único admirable de este artista.

También sus condiciones de actor, lo mostraban evidentemente con un estudio profundo y sicológico de los personajes a interpretar. Su prestancia y su elegancia escénica, fueron rasgos muy salientes en su carrera. Su figura se adueñaba del escenario. Fue también, un distinguido liederista e intérprete de oratorios.

Quizás la caracterización más saliente fue la disciplina que se impuso.

A partir de 1973, integró el elenco estable del Teatro Colón de Buenos Aires.

De su variado repertorio, recordamos sus mejores actuaciones: Silvio de I Pagliacci, Enrico de Lucia, Sharpless de M.Butterfly, Ford de Falstaff, Conde de Luna de Il Trovatore, Don Giovanni, Germont de La Traviata...

Pero sus grandes éxitos, fueron Orfeo y el Marcello de La Boheme, su ópera consagratoria.

Como cantante sobresaliente, poseía un talento histriónico formidable; de alli que dentro de la extensa lista de roles, desempeñó un personaje bufo que fue su preferido y más querido: PIMPINONE. En esta obra, que realizó junto a su esposa la soprano DIANA LOPEZ ESPONDA, y con la dirección escénica de JUAN JOSE BRENTA, Botto demostró una deslumbrante batería de recursos actorales con un grado de refinamiento excepcional, y con una musicalidad admirable y sincera. Recordemos a los partiquines que hicieron la delicia del espectáculo, el tenor Juan Carlos Taborda y los mtros. Miguel Patron Marchand y Fernando Puiggros.

Luchó durante más de 10 años con una cruel enfermedad, a la que se imponía con tesón y valentía.

Le vimos sus últimas actuaciones: La Vie Parisienne y Crispino e la Comare, en el Teatro Alvear de Buenos Aires, le encontramos con un desgaste verdaderamente doloroso. Sabía que llegaba su final.

Se cumplen en el 2009, 30 años de su desaparición. Con ella la Lírica Nacional perdió a unos de hijos más ilustres y más completos.

En lo personal, su alejamiento nos arrebató: al maestro que nos enseño los primeros pasos en las tablas, al luchador e incansable propulsor de las temporadas líricas; al hermano como mutuamente nos tratábamos; al noble y leal amigo que estuvo a nuestro lado en momentos difíciles con acrisolado desinterés; al ser humano al cual trasmitíamos nuestra fe cristiana, ayudándolo a sobrellevar tan injusto destino.

Figuras de la lírica uruguaya: Juan Carbonell

Evocaciones líricas


Tomado de una serie de notas publicadas
por José Luis Pomi
en Informe Uruguay

Quienes tenemos más de 40 años dentro del Teatro Lírico de nuestro país mantenemos vivo, el recuerdo de muchos artistas desaparecidos, que contribuyeron con su presencia y capacidad, a imprimir a las temporadas en las que actuaron, un permanente y renovado interés artístico.

 
JUAN CARBONELL - bajo
 
Durante muchos años, las temporadas líricas montevideanas contaron con este notable artista.
Poseía una voz poderosa de gran calidad y refinada expresividad. De sólida formación cultural, Carbonell era un artista estudioso, que reunía un loable espíritu de disciplina y responsabilidad, difícil de conseguir en aquellas épocas.

La labor desplegada en todas las temporadas donde participó, fue en calidad y cantidad, muy importante, siendo su repertorio increíblemente extenso.

Su impagable vis cómica, era tan sólo una de sus armas donde definía su carácter.

Se granjeó el afecto de sus discípulos y amigos, por su bonhomía y personalidad artística. Si a ello le agregamos que vivió intensamente, ayudando a los niños desvalidos, seguramente en su vida actual, habrá logrado ganar un sitio de honor.

Cantamos junto a él: La Boheme - Rigoletto - Fidelio

Figuras de la lírica uruguaya: Juan Rodríguez

Evocaciones líricas


Tomado de una serie de notas publicadas
por José Luis Pomi
en Informe Uruguay

Quienes tenemos más de 40 años dentro del Teatro Lírico de nuestro país mantenemos vivo, el recuerdo de muchos artistas desaparecidos, que contribuyeron con su presencia y capacidad, a imprimir a las temporadas en las que actuaron, un permanente y renovado interés artístico.

JUAN RODRÍGUEZ - barítono

Fue uno de los cantantes nacionales que más gozaron de respeto y consideración.
Su hermosa voz baritonal ha sido de las mas importantes surgidas en nuestro país. Por su color y por su pastosidad se acercaban a la de Leonard Warren.

Alumno de Ambrosio Pedemonti, su canto era franco, y sus agudos eran fáciles, seguros y brillantes. No fue un cantante de medios especialmente depurados, pero decía con gran intención y buen gusto.

Después de integrar durante muchos años el Cuerpo Coral de SODRE, y haber intervenido en papeles de comprimarios, donde su solvencia era de lujo aristocrático, fue llamado a desempeñar roles protagónicos, cuando ya sus medios vocales no proyectaban la frescura y vitalidad de su voz.

Dentro de sus actuaciones merece destacarse, su Rigoletto. En esta obra, quizás mas que en ninguna otra, Rodríguez demostró que era dueño de una sólida formación profesional, junto a una interpretación justa e inteligente, en la composición de ese personaje verdiano.

Poseía singulares condiciones de comediante, que lo llevaron a realizar actuaciones memorables, tales como: Don Pasquale, Dulcamara, Don Bartolo y un Gianni Schicchi de antología.

Cantamos juntos: Rigoletto, La Favorita, I Pagliacci, Lucia, L'Amico Fritz

Quienes le conocimos muy de cerca, sabemos que vivía sus personajes intensamente y trasmitía sus emociones con real talento teatral.

Figuras de la lírica uruguaya: Rosita Lista

Evocaciones líricas


De una serie de notas publicadas
por José Luis Pomi
en Informe Uruguay

Quienes tenemos más de 40 años dentro del Teatro Lírico de nuestro país mantenemos vivo, el recuerdo de muchos artistas desaparecidos, que contribuyeron con su presencia y capacidad, a imprimir a las temporadas en las que actuaron, un permanente y renovado interés artístico.

ROSITA LISTA - soprano

El 5 de febrero de 1971, fallecía a un temprana edad, una de las voces más hermosas de soprano de la lirica nacional.
Estudió canto con la Mtra Maria Piccioli. Poseía una voz lírica celestial, de discreto caudal, con un buen centro, presentando ciertas limitaciones en el registro agudo. Su timbre aterciopelado, era particularmente bello y cálido, Su línea de canto era seductora y expresiva.

Tenía los atributos propios de una excelente y deliciosa cantante. Su simpatía, su gracia contagiosa, su bohemia, su desenfado como actriz, contrastaban con las adversidades de su vida.

En su breve carrera que arranca en la década del 50, demostró que se trataba de una cantante de gran talento. De los papeles que interpretó, ninguno la mostró tan brillante y encantadora, como la Mimi de La Boheme, que tuve el honor de compartir en mi debut operístico, bajo la direccion del Mtro Juan Protasi.

Figuras de la lírica uruguaya: Jorge Algorta

Evocaciones líricas


Tomado de una nota realizada
por José Luis Pomi en Informe Uruguay

Quienes tenemos más de 40 años dentro del Teatro Lírico de nuestro país mantenemos vivo, el recuerdo de muchos artistas desaparecidos, que contribuyeron con su presencia y capacidad, a imprimir a las temporadas en las que actuaron, un permanente y renovado interés artístico.

JORGE ALGORTA - bajo

En la década del 40 debutó en el SODRE.Estudió canto con Víctor Damiani. Realizó una extensa carrera, durante mas de 30 años, actuando entre 1945 y 1961 en los centros musicales más importantes de Europa y America, tales como: Teatro La Fenice de Venecia, San Carlo de Napoles, Opera de Roma, Scala de Milan, San Carlo de Lisboa, La Monnaie de Bruselas, Liceo de Barcelona, Municipal de Rio, Colon de Bs Aires, Argentino de La Plata, Municipal de Santiago, entre otros.

De regreso al Rio de la Plata en 1961, se integra por dos décadas a la escena lírica argentina, formando parte del elenco estable del Teatro Colón, donde puso al servicio de ese coliseo, un gran bagaje de experiencia adquirida en aquellos escenarios. Su debut en ese Teatro, ya se había producido en 1945 con la ópera Lucia di Lammemoor.

Durante ese misma época, participó en las temporadas líricas del SODRE, donde cantó: La Sonambula, La Boheme, Aida,El Barbero de Sevilla, Fausto, La Favorita, Misa de Requiem de Verdi.

Fue un cantante de indudable capacidad profesional, poseedor de una voz opulenta, aunque algo rígida, pareja en el color y en la sonoridad, con gran sentido musical y justa expresión.

Su línea de canto, de neto cuño clásico, su condición de interprete inteligente y culto, y su musicalidad, le permitieron abordar una amplia gama de roles, entre los que se recuerdan: Ramfis, Banco, Fiesco, Colline, Timur, Ferrando, Ivan Khovansky, Fafner, etc.

¿Quién no recuerda su "Don Basilio?, Ninguno que haya asistido a las representaciones de Barbero, ha olvidado su alta figura, donde con maestría y dignidad interpretativa, diseñaba ese característico personaje de la obra rossiniana.

No solamente en el campo de la ópera tuvo destacada actuación. Su sensibilidad artística y su gran capacidad de estudio, conjugaron para abordar con significativo éxito: música de cámara y obras sinfónico corales, y tambien Zarzuela, de las que se recuerdan, sus grabaciones en las obras del compositor español, Pablo Sorozabal.

En las postrimerías de su carrera, le vimos en una obra que es a nuestro juicio, la culminación en la carrera de un bajo: Boris Godunov. Alli logró una interpretación vibrante y conmovedora, que complementaba con una sorprendente gesticulación de sus manos y de sus largos brazos, donde demostraba, sin lugar a dudas, un profundo espíritu analítico de ese fascinante personaje ruso.

Recordamos nuestras actuaciones a su lado, en la ópera LA FAVORITA y en la MESSA DE REQUIEM de Giuseppe Verdi.

Vincent Van Gogh: biografía

Vida de:
Vincent van Gogh

René Portocarrero, cuban painter

René Portocarrero:

Habanero painter of the floras.


I, like any painter, have a world that flows from childhood.

A world that tightens and commands.

This world, in my case, is Cuba.

It is its landscape and cities which are still colonial.

It is the great coloring of its popular celebrations.

It is its women.

It is its insistent saints that assure an I- don't- know- what of ancestral courage in our Island.

It is the extraordinary male issue of our people through our successive history.

And it is also the dominion of its vegetation under a shining sun.

All these feelings are present when I paint a canvas...

René Portocarrero was born and grew up in the neighborhood of El Cerro, Havana, on February 24, 1912, a significant date for our nation.

The day he was born there was a carnival, so then he wanted his aunts to disguise him as an Arabian sheik, a sultan from the tale A thousand and one nights or a simple Punch on his birthdays.

This artisan of Floras and Fans nurtured himself from that color and fantasy...

When he was 12 years old he attended courses at the academies Villate and San Alejandro for a short time; however, he did not get accustomed to the routine and continued on his eagerness of being a painter, but in a self-taught way.

At age 22 he made his first solo exhibition at the Lyceum.

Four years later he joined as professor the Paintings and Sculptures Free Studies directed by Eduardo Abela, and from 1941-1943 he taught Drawing at the jail of Havana, as a way of living.

About the modus vivendi of the artists during the republic, the art critic Joaquín Texidor expressed about Portocarrero: Great painter, prestigious man because of his extensive and high-quality work, he has had and has to make leaps to live and work.

With a bullet-proof dignity, Portocarrero has miraculously been able to carry out one of the most productive tasks that a man has imposed himself over and above the desperate situation of his existence.

How does he work?

Terrible answer we need.

It seems magic or a thing of chance...

In spite of the appearances the reality of our artists can make devil’s hair stand on end…

Portocarrero had his own way of applying color, totally unrelated from the academical dogmas.

He said many times that he painted every day; thereof his unrepeatable technique and grace.

Or like the Guatemalan Luis Cardosa y Aragón pointed out: There is so much wisdom in his naivety, so much knowledge in his freedom that his earth and sky appear through the slightest and untidiest line made by his essential paintbrushes.

With his Retratos de Flora (Portraits of Flora), the teacher gives a beautiful sample of his art to great public.

His Floras can be appreciated by the humblest worker through calendars, posters, postcards...

People can appreciate his stained-glass windows in Lenin Amusement Park, as well as his genius is living through the ceramic splendid mural that decorates the lobby of the Palacio de la Revolución.

Dozens of solo exhibitions and more than sixty collective ones in Cuba and abroad, he won important Sambra Award to the best collection presented during the VII Biennial of Sao Paulo and many other prizes endorse this great universal and Cuban painter.

He died on April 7, 1985.

Nowadays René Portocarrero's work is present in important private collections and in permanent collections of the National Museum of Fine Arts of Havana, Modern Art Museum of New York, Modern Art Museum of Paris, Fine Arts Palace of Mexico, National Museum of Art of Warsaw, etc…

Taken from an article by Leonardo Depestre Catony,

www.musica.cult.cu